JULIA ACOSTA

La imagen, aquello que desea ser representado como objeto de la memoria, es un florero blanco con un ramo con variedad de colores de margaritas, crisantemos, peonias y gypsophilas; también la cerámica lleva delicados relieves vegetales y el mantel reitera como motivo un bouquet. En Memoria poética de Julia Acosta se resignifica el objeto desde la resolución técnica que subraya la trama narrativa: la toma inicial se desmaterializa progresivamente en una secuencia fotográfica: las flores se marchitan a la par que desaparecen de la impresión. En la tercera imagen de la secuencia se produce un cambio compositivo al doblarse el primer tallo, es el inicio del fin. Desde la tradición pictórica occidental el género de la naturaleza muerta se asocia con la alegoría de lo efímero de la vida; en este sentido las flores remiten a la vanidad de la belleza. De este modo, la obra de Julia Acosta, integrante del colectivo Parientes, puede entenderse como una reflexión sobre la muerte que se asocia a la meditación sobre el tiempo, sobre el pasado que se disipa hasta restar una simple huella de aquella primera presencia. Al optar por la fotografía como técnica –Acosta no es específicamente fotógrafa– es inevitable pensar que el género pictórico actúa como “memoria poética” del hacer artístico, así la adjetivación de esa memoria remite a los principios, conceptos y modelos de la naturaleza muerta. Desde ya, en la mirada inmediata la poética no es un metalenguaje, simplemente adjetiva aquella memoria que tiene a pensarse como amatoria. Memoria poética es, entonces, simplemente el amor perdido, como si fuera las inscripciones del pasado en la retina. Realizada en el 2019, el encierro de los años siguientes por la pandemia abre nuevos sentidos a esta secuencia.

La obra temprana de Acosta eran tejidos que permitían el abrazo, una idea del cuerpo como despliegue de lo afectivo, más que como sitio de conflicto. En la obra reciente perdura la manualidad asociada a lo femenino, por ejemplo en Algas nocturnas, del 2014, con la sutileza del bordado y del uso de la aguja en las aplicaciones de tela. Se trata de una economía de medios que permite potenciar el sentido del objeto. La forma del tondo –habitual en la pintura religiosa y en los bastidores para bordado- permite que la imagen de las algas se expanda virtualmente sobre el muro. La luz que desprenden las noctulicas funciona como un mecanismo de defensa, pero también su alta concentración es tóxica para la vida marina. Así –al igual que en la posterior Memoria poética- se trata de la relación entre la belleza y la muerte.

Vapores es un collage textil, también del 2014. La deriva estilística posmoderna junto con pérdida del criterio de autoridad habilita establecer múltiples referencias formales (los objetos blandos del pop; la creación lúdica del madi rioplatense; la obra tardía de Frank Stella; la autonomía del arte light de los noventa; las mantas del activismo; el tapiz contemporáneo; la agenda feminista y queer de lo textil; etc.). La forma irregular no da cuenta de aquello que se evapora en el aire, que es invisible, sino de lo orgánico. Desde este punto es posible establecer un vínculo de Vapores con Memoria poética y Algas nocturnas, si pensamos el término “vapor” desde el Timeo: cómo la mezcla de los humores afecta al alma: “Cuando todas las flemas ácidas y saladas y los humores amargos y biliosos, después de haber vagado por el cuerpo, no hallan el modo de salir fuera y se quedan dentro, y se funden y mezclan su propio vapor con la revolución del alma, provocan diversas enfermedades más o menos fuertes, más o menos frecuentes, que se trasladan hacia las tres sedes del alma. Según sobre cuál de ellas se fije, se desprenden distintos tipos de enfermedades y sufrimientos, o diversos tipos de audacias y cansancios, como también olvidos y dificultad para aprender.”

MUESTRA PUENTE

Fondo Nacional de las Artes, Noviembre 2021.

Curadora: Manuela López Anaya

Textos de sala: Roberto Amigo

LA PORTLAND es una plataforma de arte contemporáneo entrerriano.