Sobre los vértices del tiempo y el rojo carmesí

Matías Duville, Vertices of Time, Barro New York, 2024.

Ana Torok: Quisiera empezar expresando mi gratitud a Barro por tenerme aquí y a Syd Krochmalny por invitarme a participar en este evento. Antes de esta noche, no conocía a Matías personalmente y ha sido un verdadero placer conocerlo y tener la oportunidad de profundizar en su trabajo y en esta hermosa exposición. Hay una gran cantidad de material para explorar en estas obras y tengo muchas preguntas. Sin embargo, también los animamos a hacer preguntas a lo largo de la charla para que esto sea más interactivo. Siéntanse libres de acercarse.

Para comenzar, me gustaría empezar con una pregunta sobre esta obra en particular. Me gustaría discutir la idea del espacio y cómo estructurás tus composiciones. En muchas de tus obras en papel, creás una notable sensación de profundidad a través de la perspectiva y el ilusionismo. Te lo he mencionado antes, pero encuentro esta obra particularmente intrigante porque lográs esta sensación de profundidad a través de una línea serpenteante y decreciente. Esta línea funciona como una abreviatura para señalar la distancia, guiando la mirada del espectador mientras la masa terrestre se extiende hacia la distancia. Además, como línea, sirve como el elemento fundamental del dibujo, una marca básica que compone la obra. Entonces, ampliando un poco, ¿podrías hablarnos de cómo abordas el espacio y la profundidad en tus obras en papel y cómo navegas esto a través de tu proceso?

Matías Duville:. Desde el principio, he considerado esto como una especie de territorio potencial. Cada imagen representa un nuevo paso a través de esta vasta geografía mental. A veces me pregunto qué sucede más allá del punto más lejano de la imagen y la respuesta suele ser la construcción de una nueva imagen. Siempre pienso en cada obra como un nuevo estado dentro de este campo potencial.

Muchas personas me preguntan dónde está este lugar, y podría decir que existe en la mente, en una realidad paralela, o tal vez sea accesible a través de algún portal. La sensación que tengo es de un espacio vasto e infinito. Tal vez por eso la mayoría de estas piezas parecen estar buscando algún tipo de destino o distancia. 

Ana Torok: Cuando me describiste esto, dijiste que es como arrojar una lanza, profundizando en el plano de la imagen. Como espectadores, se nos invita a viajar a través de este paisaje. Como has descrito, cuando estás creando una obra, te acercás, luego te alejás, construyendo la composición gradualmente. Algunas de estas otras obras podrían ser óptimos ejemplos de ese proceso, donde construís la pieza poco a poco, viajando a través del papel o en el plano de la imagen a medida que avanzas.

Matías Duville: Sí, creo que por momentos esto está realmente sucediendo. Estábamos hablando de ficción versus realidad. A veces pienso que la realidad es sólo una larga lista de experiencias. Pero esto (señalando una obra) también es una experiencia real para mí, un potencial campo mental. En cambio la realidad es abrazable. Podemos pensar en el planeta, el sol y la tierra, etc. pero cuando te enfocas en tu propio universo, podrías darte cuenta de que esto es realmente infinito.

Ana Torok: También hablamos sobre los bordes de la hoja de papel y los bordes de la pintura. Para vos, es como una ventana, pero la idea se extiende infinitamente más allá de esa porción de la realidad.

Matías Duville: Sí, marcos de este espacio infinito, como instantáneas de este páramo mental, supongo.

Ana Torok: Quería preguntarte sobre el color porque, si miran alrededor de la sala, es bastante representativo de tu práctica en papel. Tendés a trabajar de manera monocromática, a menudo en blanco y negro, o con una paleta muy limitada, como se ve en ese díptico o par de dibujos por allá. Sin embargo, alrededor de 2018, empezaste a usar sanguina, que produce un color rojo, reminiscente de la sangre, lo cual está implícito en su nombre. También tiene una cualidad muy terrenal y crea una energía diferente en comparación con algo como el dibujo en la pared opuesta.

¿Podrías contarnos por qué empezaste a usar sanguina inicialmente, qué intentabas lograr con ella y por qué recurrís a ella en ciertos momentos? ¿Qué efecto crea cuando la usás?

Matías Duville: Esta serie, incluyendo este dibujo, se origina a partir de una residencia que hice en California. Luego las exhibimos en el Museo MOLAA, curada por Stefanie Hessler. En ese momento, estaba contemplando la sensación que tenés cuando enfrentas al sol, cerrás los ojos y ves una mezcla de sangre y luz. Esta experiencia me llevó a enfocarme en mi propio sol, mi propio horizonte, en lugar del real. Empecé a pensar que esto podría ser una forma de comenzar una nueva serie, pero necesitaba un nuevo material. Elegí sanguina, un color base clásico, porque quería una conexión entre estas escenas hiper calurosas y polvorientas y el material.

Podés ver rastros de mi intervención aquí. Me resulta interesante cómo una cosa simple como un pastel rojo clásico puede dar lugar a una determinada narrativa. Para mí, se trata de equilibrar la materialidad y la imagen. Con respecto a esta pieza,  "Mind Roads", estaba pensando en el horizonte y cómo estos caminos finalmente alcanzan el cielo. Como mencioné antes, esta práctica parece infinita. El siguiente paso siempre está justo más allá. Siento como si estuviera caminando por ese lugar, volando sobre él, soñando, o trasladándome de alguna otra manera.

Ana Torok: Cuando te pregunté sobre esas líneas, dijiste que representan caminos que continúan, ¿verdad? Estas líneas son como senderos que conducen al horizonte.

Matías Duville: Es como un alma andante a velocidad.

Matías Duville, Mind Roads, sanguina sobre papel y pared, 550 cm x 350cm. 

Ana Torok: Y otra pregunta sobre materiales y materialidad: quería preguntarte sobre tu destreza en el dibujo con más detalle. Es realmente notable en esta obra y en "Mind Roads", así como en otros ejemplos en esta sala. Tenés una cualidad aguda y rasposa en tus líneas. A veces, como por aquí, casi parece alambre de púas; hay algo de jagged en la forma en que hacés una marca. Y luego, bueno, aquí es como si pudieran ser letras o diseños rayados, incisos en el paisaje. Entonces, ¿podrías explicarnos cómo es tu proceso? ¿Cómo hacés esas marcas literalmente?

Matías Duville: Claro, usé pastel, pero luego empecé a usar mis dedos e incluso mis uñas. Y, por supuesto, una goma para borrar. Lo más interesante para mí es que por un momento, estoy modelando el paisaje o tocando el paisaje, así que siento este lugar de una manera escultórica. Es como un proceso en progresión. En este caso, comienzo de una manera más limpia, y de repente me meto en la escena usando mis dedos, uñas e incluso mis brazos.

Ana Torok: ¿Es así como hiciste esto también?

Matías Duville: Sí 

Ana Torok: ¿Y lo hiciste in situ aquí?(Muro)

Matías Duville: Sí. Esto en un comienzo es como un primer plano o un detalle. Es algo que me hace sentir en ese exacto momento, lo que decía anteriormente cuando hablaba de enfrentar al sol con los ojos cerrados y con toda esa mezcla de abstracciones a través de los párpados y esa sanguina componer finalmente las imágenes de una narrativa.

Ana Torok: Hablamos un poco sobre la abstracción. Cuando mencioné estas líneas aquí en el costado de las crestas de las montañas, dijiste que es casi como si pudieran ser letras, podrían ser tipografía. Va más allá de eso, caminando la línea entre algo que es legible y algo que es abstracto.

Matías Duville: Bueno estoy influenciado por la naturaleza, por supuesto. Este lugar no existe, pero tiene algunas reminiscencias reales, referencias del mundo y su cultura. Muchas veces pienso, okay, estas líneas podrían ser lenguaje, letras, etc., podrían funcionar entre lo natural y algo más cercano a nuestro lenguaje humano, pero no funcionan así. Me gusta pensar que puedo usarlas de una manera que evidencien la forma del terreno. Estas líneas se detienen ahí (señalando a la obra Mind Roads) y ya no llegan a componer un supuesto mensaje. Es sólo caos. Es una forma de avanzar por el territorio..

Matías Duville, Melting Paths, sanguina en papel, 150 x 150 cm, 2021.

Ana Torok: Modelaste el tamaño de esa roca haciendo que llenáramos e imagináramos la línea alrededor de su borde. Es similar a lo que vemos aquí, donde la línea sugiere algo que se extiende hacia la distancia, pero a un nivel literal, es solo una línea en la hoja de papel. Es lo mismo aquí: una línea que se supone que es literal, pero la leemos como si retrocediera en la distancia.

Matías Duville: Bueno, hay algo así. Por ejemplo, ahora estoy pensando que esta parte está mal; es como una pieza cortada. Siempre quiero profundizar y pensar en el interior de las cosas que componen la imagen. Hay un diálogo entre materia y vacío o materia y forma, y ese feedback entre ambos lados.

Ana Torok: Y eso es algo que hacés en la pintura. Se trata principalmente de penetrar más directamente en la superficie.

Matías Duville: Todo está conectado.

Matías Duville, Sunset Boulevard, 42 x 47.5 cm, 2024.

Ana Torok: Sí, creo que ahora vamos a movernos y mirar otras obras. ¿Tuvieron alguna pregunta sobre estos dos dibujos aquí? Siéntanse libres de intervenir mientras nos dirigimos a este de aquí. (Lagoa, 2024)

Las obras tienen imágenes muy evocadoras y misteriosas a las que ya has aludido. Hay escenas y paisajes donde se nos invita a llenar una narrativa. Entonces, podríamos preguntarnos, como decíamos: dónde estamos dentro de las obras, cuándo estamos, si estamos en absoluto, y si lo que encontramos existe o existió. Pensé que este sería un buen ejemplo para profundizar en la idea del tema un poco más, y me preguntaba si podrías contarnos qué estabas pensando cuando comenzaste a abordar esta pieza y también cómo construiste la composición.

Matías Duville: Bueno, en este caso en particular, comencé con esta pequeña casa y la dibujé muy cerca del papel porque al principio quería evitar la idea general de la escena. Luego comencé a pensar en una forma concéntrica para la escena, como el último rastro de una gran civilización siendo succionada por esta pequeña laguna. El título, Lagoa, proviene de un barrio en Río de Janeiro. No tiene nada que ver con esto, nada en absoluto. A veces, cuando tengo que nombrar una pieza, trato de sentirme dentro del centro de la escena, y de repente el título parece venir del cielo o de algún lugar distante. En este caso, Lagoa es algo que viene del mundo real. Lagoa, como barrio, es una zona tropical, nada que ver con la imagen de esta obra frente a nosotros, pero es un lugar donde un lago está rodeado por un grupo de edificios, por lo que funciona como una reminiscencia de un lugar ubicado en otra realidad.

Entonces, comencé aquí y siguiendo el movimiento circular traté de no repetir la apariencia de los edificios. Sabía que podría ser una mezcla de polvo, barro, nieve y la materialidad  misma de la erosión. Me encontré frente a esta ronda de diferentes edificios, en el medio de la nada, sintiendo que éste podría ser el último rastro de una civilización.

Matías Duville, Lagoa, carbonilla sobre papel, 150 x 220 cm, 2024. ()

Luego comencé a pensar en este lago central y finalmente esta pequeña máquina, que parecería ser la causante de este rayado. No hay ningún humano aquí, la única acción es producida por esta pequeña cosa, que es extraña. Es algo loco porque a veces todo esto toma sentido en el último rastro de carbón. No había un plan previo y ahora todo parece estar relacionado.

Ana Torok: Los edificios tienen una cualidad antropomórfica para mí. El hecho de que sean todos diferentes empieza a hacer que parezcan personas. También, la forma en que emergen. Parece que están siendo arrastrados fuera del paisaje. Es gracioso porque cuando vi por primera vez una pequeña imagen de la obra, parecía una escena tranquila y vacía. Luego, cuando pregunté sobre las líneas aquí y supe la historia sobre la máquina que gira a su alrededor, fue interesante pensar en este movimiento eterno y sin sentido.

Matías Duville: Sí, estoy de acuerdo.

Ana Torok: Y todo lo demás está vacío. Sólo está la máquina dando vueltas en círculos sobre este lago en el centro.

Matías Duville: Sí, desde el momento en que lo dibujé, era un lago congelado, pero podría imaginar otro tipo de elemento, una materia indefinida con un tipo de reflejo brillante. Lo que realmente quería hacer era construir una idea con algún tipo de acción.

Ana Torok: El movimiento juega un papel importante; mencionaste eso aquí y en gran parte de tu trabajo. Y has dicho que hay un movimiento como éste, como una contracción. Pero en otras obras, nos estás llevando a estos territorios que crean un movimiento expansivo.

Matías Duville: Es interesante lo que decís porque, de alguna manera sí, esto se trata de expansión y compresión. A veces sólo estoy trabajando al azar, ya que estas líneas provienen de mi imaginación, comenzando desde un espacio muy pequeño en el papel y luego expandiéndose a algo universal. Aquí, la narrativa proviene de una acción pequeña y simple producida por este lado de mi uña y luego todo se desata.

Ana Torok: Pensé en esta obra con la experiencia de raspar o usar tus uñas como una forma de penetrar la superficie. Es real y físico.

Matías Duville: Me gusta la idea de considerar esta obra como un contenedor. La luz es muy evidente aquí, pero estos pequeños detalles causados por rasguños, como estas áreas sucias, no son tan obvios. Al final, se convierten en la parte principal de este sistema.

Matías Duville, Pink Ashes, carbonilla, y pastel sobre papel, 380 x 300 cm, 2024.

Ana Torok: ¿Alguien tiene preguntas?

Miembro del público: De alguna manera, tu trabajo es muy romántico. Me parece que encarna una forma de romanticismo del siglo XIX sin compartir su esencia. En muchos aspectos, llamaría a tu trabajo planetario. Se trata de una relación del siglo XXI con lo planetario y lo extraterrestre, el deseo de escapar de la Tierra. Esto se alinea con la idea del romanticismo del siglo XIX, pero está actualizada a un nuevo concepto. Nos hace pensar en cómo construimos y cómo salimos del planeta. Esto, para mí, se parece a algo de "El Planeta de los Simios", donde entran en esa cueva, el área prohibida, y ven la Estatua de la Libertad. Hay un espíritu de melancolía.

Matías Duville: Sí, podría ser algo así como las cenizas de la modernidad. Hace algunas semanas hablábamos de esto. Hemos estado discutiendo muchas de estas ideas. Sí, estoy de acuerdo, pero luego hay otros casos en los que no hay nada, nada más que vacío. Sólo tengo que entrar en ese lugar y crear todo el paisaje desde el principio.

Miembro del público: Volviendo al punto sobre la melancolía, hay una especie de esperanza en ello. La única razón por la que lo digo es porque el Mars Rover canta "Feliz Cumpleaños" para sí mismo cada año que ha estado en Marte. Aunque eso parece absurdo, es conmovedor. Así me siento con la pequeña máquina haciendo estas marcas. Es la última cosa viva en cierto sentido, pero no está realmente viva, es una máquina. Estás trabajando con muchos elementos allí. Se siente vivo, pero también desolado y esperanzador.

Matías Duville: Sí, podría pensar que esta máquina es una posibilidad, la única posible, para seguir adelante. Lo único que podés hacer es continuar.

Miembro del público: También creo que se relaciona con el infinito, como en conversación con piezas anteriores. Sigue adelante para siempre.

Matías Duville: Sí, sigue ahí para siempre. Esa es la idea.

Miembro del público: No sé si mencionaste esto, pero tengo una pregunta. ¿Qué hacés en preparación para una pieza como ésta? ¿Trabajás a una escala más pequeña antes de llegar a ella, o simplemente comenzás y desarrollás directamente en este papel? También, ¿mencionaste cuáles son tus inspiraciones? ¿Es filosofía, ciencia ficción, literatura, o estos mundos provienen puramente de tu imaginación? ¿O es una mezcla?

Matías Duville: Para empezar algo, siempre tengo una idea previa (en general no es un boceto) y luego comienzo a trabajar poco a poco. Esa es mi forma de conquistar el terreno. Por ejemplo, primero dibujo estas rocas, luego agrego ese montículo, luego ese árbol muerto a lo lejos y así sucesivamente, finalmente llegando a conquistar la pieza. Con respecto a las otras preguntas, estoy influenciado por la química; mi padre era químico y también por la geografía, la ciencia y la filosofía. También podría mencionar diversos temas como el calentamiento global, pero trato de abordar mi trabajo sin un significado definido. Es como un combo de cosas. Para mí, esto es una forma de modificar ese tipo de páramo mental. Se trata del caos y cómo lidiar con él.

Miembro del público: ¿Podrías hablarnos un poco sobre tu perspectiva? Cuando compones estos paisajes masivos, ¿los ves desde arriba, o mencionaste que podrías haber estado volando en algún momento?

Matías Duville: Ahora estoy aquí conduciendo, pero a veces me siento caminando o volando a través de este territorio. Es solo la forma en que tu alma se mueve a través de este espacio. Al menos, esa es la idea porque, al final, creo que habla sobre la lucha de tu alma y la conquista de tu mente. A veces pienso que se trata de caminar o volar, pero es solo la proyección de tu mente. Decidí llamarlo "Mind Roads". 

Miembro del público: Porque estás mirando hacia la Tierra, no estás tratando de escapar de ella. Estás tratando de enfocarte aquí.

Matías Duville: Creo que no se trata de escapar, se trata de conquistar más que de escapar. Supongo.

Miembro del público: Una de las personas mencionó, o tal vez fuiste vos, que el punto de vista tiene algo que ver con la media tubería y el patinaje en el ápice, escapando de la realidad. Pensando en esa imagen, probablemente representa a esa máquina patinando en esa superficie, indecisa.

Matías Duville: Sí, es parte de mi pasado-presente: el skateboarding y el surf.

Miembro del público: Es interesante porque el skateboarding es como viajar mientras permaneces en el mismo lugar. Estás creando múltiples puntos de vista. Por un lado, estás arriba; por el otro, estás abajo. Es como crear una especie de perspectiva multidimensional extraña de dondequiera que estés. Pero me pregunto: ¿podés mirar alrededor cuando estás patinando, o tenés que estar extremadamente enfocado en no lastimarte?

Matías Duville: El skate es algo complejo. Intento mantener mi patinaje vivo en todos los sentidos. Hay muchos aspectos interesantes sobre el skateboarding. Todos los días ves skaters jóvenes y no tan jóvenes, enfocados en otro tipo de escena. Cuando patinas, estás en otro plano, enfocado en un tipo diferente de escenario, sintiéndote en otra capa. Cuando se trata de los dibujos, realmente necesito estar profundamente dentro de estas escenas para sentir la conquista y la actitud del patinador es una manera de hacerlo posible.

Matías Duville, Crimson Silence, Barro NY, 2024.

Ana Torok: Creo que deberíamos movernos hacia las pinturas. Entonces, solo para establecer un poco el contexto: en contraste con los dibujos que acabamos de ver, esta sala está compuesta enteramente por tus pinturas muy recientes. Estoy señalando lo obvio, pero las cosas han cambiado en términos de escala. Como señalaste, muchas de estas son escenas nocturnas. Entonces, la hora del día o la paleta también han cambiado. Hay algo muy interesante sobre la materialidad de la superficie de estas pinturas también, lo cual es muy diferente de los dibujos. Entonces, creo que para empezar, ¿podrías explicarnos cómo hacés una pintura como esta?

Matías Duville: Bueno. En comparación con los grandes dibujos, que son expansivos, estas escenas son más íntimas. La mayoría de ellas son escenas nocturnas o crepusculares. En estas nuevas pinturas  el primer paso del proceso fue elegir un soporte de madera que fue el equivocado, lo cual fue perfecto para mí porque siempre intento crear o caer en problemas. El soporte proviene de un bloque de madera con un tipo de esmalte industrial negro que da una superficie lisa y resbalosa. En lugar de usar pintura al óleo, usé pintura acrílica a base de agua, y eso es un problema porque no hay forma de combinar ambos lados. Material y soporte.

Entonces, cuando la pintura aún está húmeda caliento la superficie para cambiar los colores, produciendo algunas burbujas. Si mirás de cerca, podés ver que algunas de las pinturas están llenas de burbujas. En ese momento del proceso, cuando la superficie está súper caliente, la escena se separa del soporte. Todo puede explotar o desaparecer, y ese es un momento súper interesante porque es como un gel en movimiento. Luego, cuando la pintura está seca, la cubro con poliuretano, lo cual es increíble porque cristaliza las pequeñas burbujas y todos los daños, creando una capa de roca cristalina. En esta pintura, detengo el proceso con una capa de poliuretano. En otras, cruzo la superficie.

Miembro del público: ¿Qué querés decir con "cruzar la superficie"?

Matías Duville: Quemo la superficie con una pistola de calor, y cuando finalmente llego al material, me siento entrando en una especie de vacío. Como ves, comenzamos hablando de técnica, y de repente estamos discutiendo cosas como materia versus vacío.

Decidí componer toda esta muestra con ambos lados. Estas pinturas, como te dije, son más íntimas, en diálogo con los grandes paisajes. Entonces aquí está la compresión, y en esa sala, la expansión.

Ana Torok: Volviendo a lo planetario [la idea] que surgió a través de una de las preguntas en la otra sala. Es interesante que cuando miramos los dibujos, pensamos en el terreno, el paisaje que se está conquistando a través de esta expansión, pero luego cuando describís el proceso para estas pinturas que hacés, usás la pistola de calor, como explicaste, y la superficie burbujea, es fundida, así que me hizo empezar a pensar en fenómenos geológicos. Mientras estás interesado en crear estos paisajes en papel a través del ilusionismo y otras cosas, aquí casi estás recreando la idea de que una superficie de la tierra o un planeta podría ser fundida y cristalizar y cambiar y desplazarse. Entonces eso es un tipo diferente de construcción de mundos.

Matías Duville: Es interesante para mí porque, de alguna manera, en un pequeño espacio podés hablar de algo universal.

Ana Torok: ¿Deberíamos terminar con [ esta pintura, Los Iluminados]—si querés hablar de [ella]. Cuando vi por primera vez esta pintura y esa área carbonizada, que aparece en muchas de estas pinturas, te dije que hay una tensión interesante entre el brillo, que es seductor y hermoso y el área carbonizada, que para mí causó una reacción visceral. Dijiste que es como un vacío o una nada, pero también hay algo extraño u orgánico en ello que lo hace parecer una herida. ¿Querés hablar sobre esa sección?

Matías Duville: Hay un fuerte contraste entre las partes brillantes de la pieza y los puntos mate. Siempre estoy lidiando con dos lados. Entonces creo que esto podría ser un diálogo entre el interior y el exterior, el soporte versus la narrativa, la materia en diálogo con el vacío, cosas así. Cuando me siento cruzando la superficie, finalmente puedo imaginarme caminando a través de un círculo. Ficción, paisaje mental.

Ana Torok: ¿Alguien tiene alguna pregunta en este momento? Además, gracias. Si tienen preguntas para Matías, pueden acercarse a él uno a uno más tarde.

Miembro del público: ¿Has pintado obras de mayor escala sobre madera?

Matías Duville: Es paradójico porque ahora vengo de Brasil, San Pablo, donde pasé un mes trabajando en una serie de pinturas enormes. Estas son totalmente diferentes de estas pequeñas pinturas intimistas. Las pinturas grandes están más cerca de la idea expansiva de mis dibujos en papel. Entonces, sí, he trabajado a mayor escala. Empecé a hacer grandes escenas usando acrílico sobre tableros de aglomerado en 2004. Luego detuve la serie y volví a ella en 2010 durante un par de años. Ahora, esta es la última vez que he hecho un regreso, pero de una manera diferente, usando otro tipo de soporte. La mayoría de mi trabajo se trata de dibujos, pero las pinturas se sienten diferentes. Fluctuar entre el pastel y el fluído es interesante para mí.

ANA TOROK (ella/ella) es curadora e historiadora del arte, radicada en Brooklyn y especializada en arte minimalista,

posminimalista y conceptual. Actualmente es la Curadora Asistente Sue and Eugene Mercy, Jr. de dibujos y

grabados en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Más recientemente, coorganizó Projects: Tadáskía (2024)

con Thelma Golden, la primera muestra individual de la artista brasileña en Estados Unidos. También trabajó en la

retrospectiva multimedios ED RUSCHA / NOW THEN (2023), la presentación monográfica Betye Saar: The Legends

of Black Girl's Window (2019) y la reinstalación de las galerías de la colección de arte de posguerra previa a la

reapertura del museo tras su ampliación, también en 2019. Antes del MoMA, ocupó puestos curatoriales en el

Solomon R. Guggenheim Museum y el Whitney Museum of American Art, mientras organizaba exposiciones de

forma independiente. Su investigación se centra en artistas de las décadas de 1960 y 1970 que han ampliado los

límites de sus respectivos medios a través de materiales inusuales o efímeros, procesos basados ​​en el azar y los

parámetros generativos de la especificidad del sitio. Obtuvo su maestría en Historia del Arte en el Courtauld

Institute of Art y su licenciatura en Historia del Arte en Barnard College, Columbia University.

MATÍAS DUVILLE (Buenos Aires, 1974) trabaja con objetos, videos e instalaciones aunque su obra se desarrolla principalmente a partir del dibujo. Sus obras evocan escenas desoladas con atmósferas enrarecidas y atemporales como las que preceden un cataclismo: huracanes, maremotos o situaciones de abandono en el bosque, funcionan como la visión onírica de un explorador errante, como un paisaje mental. Referente local del dibujo, su trabajo se

caracteriza por la experimentación de soportes y materiales. Mediante trazos expresivos y procedimientos de cierta brutalidad, impacta la superficie dejando sus huellas en la representación, marcas en las que se mezcla la naturaleza de la materia y el paisaje. La tensión entre opuestos, la mutación y el tiempo son algunos de los temas que recorren sus últimos trabajos. Entre sus muestras individuales se destacan El fondo inestable (BARRO, Buenos Aires, 2023), Arena Parking (Fundação Getulio Vargas, Río de Janeiro, 2021), Hotel Palmera curada por Gabriel Pérez-Barreiro (Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, 2020), Desert means ocean (MOLAA, Los Angeles, 2019), Projection Soul (Galeria Luisa Strina, San Pablo, 2019), Romance Atómico (BARRO, Buenos Aires, 2017), The Valise Project (MoMA, Nueva York, 2017), Arena Parking (Art Basel, 2016; Centro Cultural Recoleta, 2015), Mutações (MAM, Río de Janeiro, 2015), Precipitar una especie (BARRO, Buenos Aires, 2014), Discard Geography (Ecole de beaux arts, Chapelle des Petits-Augustins, París, 2013), Safari (Malba, Buenos Aires, 2013) y Alaska, (Drawing Center, Nueva York, 2013). Las obras de Duville forman parte de importantes colecciones como la del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, Tate Modern de Londres, Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo de Arte Latinoamericano de Los Angeles (MOLAA), Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, Colección Patricia Phelps de Cisneros de Nueva York, Museo de Arte de Lima (MALI), Museo de Arte Latinoamericano (MALBA) de Buenos Aires, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO), entre otras. Participó de residencias como InclusArtiz, curada por Pablo León de la Barra (Río de Janeiro, 2018), Latin American Roaming Art (LARA, Galápagos, 2016) y Sam Art project (París, 2013). Vive y trabaja entre Buenos Aires y Mar del Plata.